IL MONDO ILLUSORIO

Quando lo incontro, Koichi indossa un sorriso che si diffonde sul suo volto e fa brillare i suoi occhi. Ha circa sessant'anni. I suoi modi di fare sono diventati notevolmente italiani; parla non solo con le labbra, ma anche con le mani. Parliamo senza interruzioni, il dialogo si evolve in modo molto naturale. Mi racconta del suo primo viaggio all'estero, il suo percorso sulla Ferrovia Transiberiana a metà degli anni '80: “Sognavo da tempo questo viaggio, non volevo fare un viaggio veloce in aereo. Per cui ho pensato che prendere la Transiberiana avrebbe fatto al caso mio, sarebbe stato sicuramente un viaggio stimolante! Ho preso la nave da Yokohama, nella prefettura di Kanagawa, non lontana da Tokyo, ed arrivato a Vladivostok ho preso la Transiberiana, una linea ferroviaria che attraversa tutta la Russia ed arriva fino a Mosca.  Ricordo che sulla Transiberiana eravamo un gruppo di 12 giapponesi; all’epoca non si poteva viaggiare singolarmente. Quando sono partito, non sapevo molto della Russia. Nel nostro gruppo però c’era un ragazzo giapponese che era innamorato della Russia, l’aveva studiata bene e per lui era un tesoro, così ce ne parlava molto. Una volta a Mosca, avrebbe poi preso il treno per Leningrado; altri invece avevano altre mete, Spagna, od altre città europee.  Per me questo viaggio ha aperto un mondo. Con noi c’era un signore russo, ci faceva da guida e controllava che non facessimo cose sospette, d’altronde là non era un paese libero. Io si capiva subito dal fatto che il nostro vagone era solo per stranieri, isolato dai locali. La mia idea era di uscire dal Giappone per cercare “cose belle”, non solo professionalmente, ma in generale, per la mia vita. Ricordo che sin da ragazzino, finito il liceo, non ero molto soddisfatto della mia vita da studente ed ero convinto che avrei dovuto spingermi più in là, esplorare, e che in Europa avrei trovato cose positive per la mia vita. Un anno dopo c’è stato l’incidente di Chernobyl e di lì a poco sarebbe caduta l’Unione Sovietica. Io ero pronto ad un viaggio di sola andata, ma mi sono presto reso conto che il mondo là fuori non era perfetto.”

Tuttavia, Koichi mi ha detto che non aveva un piano particolare su cosa avrebbe fatto una volta arrivato in Europa, al di là del fatto che aveva un amico che era un conoscente comune di Carla, una giovane donna italiana di Pinerolo – una piccola città che, sebbene modesta, ha avuto un'importante influenza storica nella provincia di Torino, la quale aveva anche un profondo interesse per la lingua e la cultura giapponese, ed era già stata a Tokyo per un mese, dove aveva incontrato Koichi. Il Piemonte era ed è ancora famoso per la sua ricca cultura del design, ed era il luogo ottimale per Koichi per studiare la fabbricazione di mobili europei. Incontrando Carla, si sono aperte porte di possibilità per Koichi e tre mesi dopo, arrivò a Porta Nuova – la stazione centrale di Torino – per essere accolto da Carla, con la quale Koichi avrebbe avuto delle gemelline tre anni dopo.

QUATTRO DECENNI IN ITALIA

Il 2025 segna il 40° anno dall'arrivo di Koichi Hasegawa in Italia. Egli racconta una delle sue prime impressioni sulla vita in Italia nel 1985: “Mi ha stupito molto il fatto che, quando si entra in un negozio, qui tutti salutano, anche il cliente. Questo comportamento mi ha colpito, perché in Giappone al massimo il venditore dice un po’ automaticamente Irasshaimase, che significa ‘Prego, benvenuto’, ed il cliente non dice niente, sta muto e fa i suoi acquisti, non è tenuto a dir nulla. Qui invece c’è subito uno scambio, è tutto più vivace!”

Al suo arrivo in Piemonte, Koichi si iscrisse immediatamente all'ENGIM (noto in breve come Murialdo, Ente Nazionale Giuseppini del Murialdo - una fondazione non-profit operante dal 1977 per servire i giovani e i lavoratori nel loro sviluppo professionale e nel progresso personale e sociale) per studiare falegnameria europea. Alla fine, decise di attenersi alle tradizioni giapponesi: “La pialla giapponese [‘kanna’], non c’è niente da fare, ha un acciaio diverso da quelle europee.  Ne ho provate di altre, ma quando rifinisco un piano in legno con quella giapponese, il piano diventa talmente liscio, che se ti abbassi e lo guardi a filo, sembra uno specchio, non serve passare la carta vetro. Però, bisogna dire che lo strumento non è tutto; puoi pagare tantissimo uno strumento, ma conta saperlo usare, conta anche la tecnica. Le tecniche europee sono anche molto valide. Ad esempio, qui in Piemonte, ho visto delle poltrone Napoleone incredibili, gli artigiani che le hanno costruite 200 anni fa dovevano essere davvero bravissimi! Poi nel tempo, tante cose sono cambiate. Una volta senza macchinari, c’era più contatto umano col legno, il contatto era più diretto. Questo si è perso quasi totalmente. Per fortuna, i costruttori dei templi in Giappone, certo, dove si può usare, il macchinario lo usano, si fa meno fatica, ma almeno il dettaglio finale lo fanno ancora a mano.”

Ricordando i suoi primi giorni a Pinerolo, Hasegawa spiega com'era una giornata normale nella sua vita: “La mattina si facevano le materie di scuola, matematica, italiano ecc. ed il pomeriggio falegnameria. Ricordo che non capivo niente di italiano, e facevo fatica a comunicare con i compagni; ma con la classe di matematica sono diventato un eroe! La matematica è universale, e quando l’insegnante faceva domande, io indovinavo la risposta. Ricordo che, alla fine di un compito, tutti i compagni mi chiedevano che risposte avevo dato, e se avevano dato le stesse, esultavano! Il pomeriggio invece, c’era lezione di falegnameria, e durante quelle lezioni, io ho avuto l’occasione di presentare come si lavora con gli strumenti giapponesi, pialla e scalpelli, ecc. Su quei banchi ho anche fatto amicizie che sono poi durate nel tempo, come nel caso di Bunna, degli Africa Unite.”

Empatizzo con Koichi quando mi racconta che aveva solo un visto turistico e, a un certo punto, ha incontrato difficoltà nel prolungare il suo soggiorno. È riuscito a ottenere un permesso da studente, che ha rinnovato più volte, ma ovviamente questo non gli consentiva di lavorare per vivere: “Poi, quando mi sono sposato con Carla, ricordo che il direttore del Murialdo dell’epoca mi ha fatto gli auguri per il matrimonio, e ha detto: “Quindi ora devi lavorare... Il prossimo anno, se vuoi, da metà settembre lavori qua”, così ho tenuto per un anno il corso di falegnameria! Dopo un anno come insegnante, ho iniziato con la falegnameria da lavoratore autonomo, ho aperto bottega in Via Vigone, a Pinerolo. Mi sono iscritto subito all’artigianato, ed ho iniziato a pagare le tasse all’artigianato, ma non ero tranquillo, perché non ero riuscito ad ottenere tutti i permessi di cui avevo bisogno. Per mia grande fortuna, in quegli anni, con il ministro Martelli, è passata poi una legge che ha permesso agli stranieri che erano in Italia da più di cinque anni, di regolarizzarsi ed ottenere il permesso di lavoro. In quegli anni, mi sono reso conto di non vivere da solo il mio mondo, che è tutta una catena, e che senza questa catena di eventi ed il sostegno delle persone che avevo accanto, non sarei mai riuscito a continuare quello che avevo iniziato.”

IL LABORATORIO HASEGAWA

Nel 2027, l'atelier Hasegawa sarà presente qui a Roletto da quarant'anni. Mi mostra un kanna e altri strumenti giapponesi che utilizza per realizzare le sue sculture, oltre a diversi oggetti di arredamento molto interessanti. Siamo circondati da materiali recuperati, come tavole di legno invecchiate, un paio di bellissime porte in noce che forse un tempo fornivano sicurezza a qualche villa a Torino, un paio di vecchie sedie in stile Napoleone II, scaffalature e le straordinarie creazioni in legno di Hasegawa. Punta il dito sui suoi giunti a farfalla super precisi, resi celebri negli anni '50 da George Nakashima, un falegname giapponese-americano. Le tecniche di lavorazione del legno giapponesi si basano su una filosofia che sottolinea l'importanza dell'artigianato rispetto alla comodità; mostrano forza senza l'uso di materiali come chiodi, viti o colla e rappresentano un'armonia estetica con la natura. Non posso fare a meno di chiedermi se inizialmente fosse difficile per lui trovare clienti interessati ad acquistare i suoi mobili.

Il Maestro Koichi mi dice: “Lavoravo creando mobili su misura, i clienti erano molto interessati alle caratteristiche dei mobili giapponesi, in particolare alle ante con la porta scorrevole. Però non eran molti. Una volta, parlando con un falegname ormai in pensione, che è venuto ad una mia mostra, lui mi ha detto di aver avuto anche lui diverse volte l’ispirazione di realizzare cose puramente belle, non commissionate; ma se lo avesse fatto, non avrebbe avuto altrettanti clienti che lo avrebbero pagato. Se alla lavorazione di artigiano, aggiungi l’arte, è davvero difficile trovare chi è poi disposto a pagarne il lavoro, così lui non ha seguito questa strada. Io sono totalmente d’accordo con lui, ma nel mio caso, fortuna o sfortuna, ho avuto il tempo, mi venivano le idee, e mi sono detto… sono arrivato dal Giappone non per fare l’artigiano di mobili comuni, sono venuto a trovare la mia identità di Koichi! Nel mio caso, non ho saputo resistere, non sono riuscito a rinunciare a questo impulso.”

Recentemente, Japan House a Londra ha ospitato l'esposizione "L'arte della falegnameria: Traendo vita dalle foreste del Giappone" (The Craft of Carpentry: Drawing Life from Japan’s Forests), il cui pezzo centrale era una ricostruzione a grandezza naturale della teahouse Sa-an nel tempio Daitoku-ji a Kyoto. Koichi spiega l'amore giapponese per le costruzioni in legno collegandolo, in modo approssimativo, al modo di vivere nel suo paese nativo: “Credo che in Giappone, nel corso della storia, si sia fatto largo uso del legno, più che in Europa. In Europa c’era più pietra, quindi le strutture delle case si facevano principalmente in pietra; in Giappone era tutto in legno, che bruciava in continuazione, bastava un fulmine, e tutto bruciava, le case bruciavano, il tempio bruciava, e bisognava rifare tutto da capo.”

Oggi, nel nostro mondo complesso di consapevolezza ambientale e obiettivi mirati di sostenibilità rispetto a una cultura del consumo secolare, la maggior parte degli artisti finanziariamente di successo non considera una responsabilità personale lavorare esclusivamente con materiali di scarto. Tuttavia, nel caso di Hasegawa, possiamo affermare con fiducia che ciò che per alcuni è spazzatura (come la maggior parte delle persone attualmente percepisce gli antiquari) è per altri un tesoro, poiché i materiali recuperati costituiscono l'intera pratica artistica. “I pezzi antichi hanno la loro particolarità, hanno tanto da raccontare, ne puoi davvero sentire il calore. Di recente ho fissato un’anta di un vecchio mobile ad una lampada di uno specchio moderno, per dargli nuova vita! Mi piace molto il contrasto che ne è venuto fuori. Poter dare al legno una nuova vita è bellissimo… Mi è capitato poi, su un pannello di noce, che era il ripiano interno di un mobile, tutto tarlato, di scolpire un paesaggio stilizzato, con un orizzonte. Su un vecchio pezzo di legno grezzo invece, è uscita una forma indefinita, che ad alcuni è sembrata una testa di pesce e ad altri una testa di drago. Mi divertono molto queste interpretazioni e mi fa piacere quando il pezzo comunica qualcosa. Io non cercavo una forma precisa, era solo una bozza, per passare il tempo.” 

UN FUNAMBOLISMO: ISPIRAZIONE E PERSEVERANZA

Non è necessario essere un collezionista di antichità per apprezzare il modo in cui un maestro falegname può lavorare le legnate pregiate in alcune delle forme più fluide. I pezzi scultorei di Koichi Hasegawa hanno una firma che rappresenta questo livello di fluidità raramente osservato. Mi sento fortunata di poter vedere nuovamente la sua Libreria Triclinium (1994) e il Tavolo Kandinsky (2002) a tre gambe nel laboratorio. Si siede comodamente sulla sedia del precedente lavoro e mi dice, “Ho giocato con l’idea di potersi sedere accanto, di potere scegliere un libro dalla libreria e sedersi affianco e leggerlo”. Ci sono alcune sculture che ho visto in precedenza nella sua mostra personale presso Open Ada a Torre Pellice, che sono difficili da descrivere a parole; è davvero necessario vederle di persona per apprezzarne veramente la bellezza e comprendere il livello di maestria.

L'ispirazione non viene così facilmente a tutti come a Koichi. Lui mi dice, “Per Onde della Giudecca, per esempio, mi ha catturato il movimento delle onde, guardando l’acqua dal vivo a Venezia. Fotografavo le onde, sullo sfondo c’era l’isola della Giudecca e cercavo di cogliere l’attimo giusto. Mi ricordo che mi concentravo tanto, che ad un certo punto mi sembrava di essere ubriaco, come se fossi su una nave! È stata una bella esperienza.”

Solleva il lenzuolo che copre il Tavolo Kandinsky (2002), posizionato su una piattaforma, un tavolo scultoreo ma completamente funzionale che gioca con le forme e i colori di Kandinsky. A questo punto, dovrei rivelare che Koichi Hasegawa non è un disegnatore. Di solito non realizza schizzi preliminari su carta. Per lui, l'opera è creata direttamente dal legno. Quando ha iniziato a lavorarci, dice di aver voluto realizzare un tavolo a tre gambe: “Lo trovavo più divertente... Poi, mentre lo costruivo però, mi sono accorto che la struttura a triangolo non avrebbe sostenuto il piano, aveva bisogno di due braccia diagonali per sostenerlo, e così le ho aggiunte. Capita così quando non hai un progetto preciso, ci sono degli imprevisti, e devi trovare il modo di andare avanti.” Mi chiedo se la sua intuizione lo illuda mai. Lui mi risponde: “Dato che spesso non ho un obiettivo finale, non c’è grosso pericolo di prendere una strada sbagliata. Se proprio non mi piace la strada che sto prendendo, piuttosto mi fermo e passo a qualche altro pezzo, per poi ritornarci in un altro momento. Con il legno, sai, non posso tornare indietro, non posso cancellare e rifare, quindi meglio prendere tempo. Poi spesso mi capita di vedere un pezzo fatto tempo prima, sotto una luce del sole diversa, ed allora mi accorgo che il pezzo non è finito per niente! È ancora da approfondire. E allora bisogna andare avanti.”

Trovo esteticamente gradito il modo in cui utilizza la foglia d'oro per mettere in risalto gli accenti nel legno scolpito o unito, a volte somigliante a una fossetta di acqua baciata dal sole (Libreria su canne d’organo, 1996; Origine, 2005) e, in altre occasioni, reminiscente dei motivi acquatici raffigurati come zig-zag nell'architettura islamica (Libreria Triclinium, 1994). Utilizza anche un sottile strato di foglia d'oro dispersa in Veliero (2008), che risulta ispirato alla nave su cui si trovava Kevin Costner nel film intitolato Waterworld (1995, regia di Kevin Reynolds)! Koichi afferma: “Per me Veliero non rappresenta solo una nave che va per mare, ma una nave che viaggia ovunque, anche attraverso l’universo, un veliero spaziale!”

Koichi Hasegawa ha realizzato opere in varie dimensioni utilizzando diversi tipi di legni pregiati come mogano, noce, wengè, ciliegio giapponese, bosso, rovere e olmo-keyaki. Mi riferisce che è sempre guidato dal particolare pezzo di legno con cui sta lavorando in quel momento. “Spesso però l’ispirazione viene dal legno stesso; una nervatura particolare, un nodo interessante. Come nel caso di Origine. Per Origine non avevo un progetto preciso, sono rimasto colpito della spaccatura naturale di un nodo, per me molto potente, e da lì mi è venuta l’ispirazione di realizzargli attorno questo flusso di tasselli in legno, per esprimere la sua energia. Per me però è stata una grande lotta, era difficile fare stare in piedi questo vortice su una gamba sola. La forma del vortice si è creata mano a mano, nel tentativo di cercarne l’equilibrio. E dentro di me era come se avessi due personaggi che lottavano, uno diceva ‘ce la fai, vai avanti’, l’altro diceva ‘Ma cosa fai? Lascia stare, non sei in grado di finirla...’ e più incontravo difficoltà e più mi arrabbiavo e continuavo la lotta.” 

DIBATTITO SECOLARE: ARTE CONTRO MESTIERE

Alcune delle opere distintive di Hasegawa sono realizzate con centinaia di pezzi di legno regolari e lineari, mentre altre sono scolpite da un unico pezzo di legno. Un senso di metamorfosi è centrale in entrambi gli stili di scultura, eppure mi lascia perplessa come riesca a passare tra due stili. Koichi spiega: “Sono dovuto andare in Giappone per stare con mia mamma, che era rimasta sola, e lì ho iniziato a lavorare con pezzi più piccoli. Ho fatto in Giappone Taimu Jampu (Salto temporale), Ikari no kabe (Il muro della rabbia), ecc. scolpendo principalmente in cucina. La mia è stata una lenta evoluzione, sono passato da opere medio-grandi, con assemblaggio di legni diversi ed incastri particolari, ad opere più piccole, su pezzi unici, dove poter sperimentare forme e giochi d’ombra. Questo mi ha permesso di maturare un dialogo, in un certo senso, ancora più vicino.” È interessante notare che tutte le opere più piccole da lui create durante il suo soggiorno in Giappone sono anch'esse intitolate in giapponese.

Poi c'è il dibattito su come si possa passare da una formazione artigianale nella produzione di mobili su misura a diventare uno scultore. Molti che disprezzano l'artigianato storcerebbero il naso all'idea. Pertanto, chiedo a Koichi come abbia intrapreso questa trasformazione. È serio al riguardo: “Non ho studiato da scultore, o da maestri scultori, ho solo seguito la mia fantasia. Dentro un pezzo di legno c’è fantasia. Michelangelo, guardava la pietra e capiva subito che cosa sarebbe potuta diventare. Io non mi sento così, non ho quella capacità, procedo poco a poco, con mente libera. Forse è una semplificazione dire così, ma sento che in qualche modo il legno mi parla. Sono consapevole che un pezzo di legno, con quella precisa nervatura, spessore e carattere, lo incontro una sola volta nella vita. Dopodiché sta a me decidere se buttarlo nel camino, usarlo per farci qualcosa, o trasformarlo in qualcosa di bello. Sento quasi una responsabilità nell’accontentare questo pezzo di legno prezioso, e fare in modo che sia contento che l’abbia scolpito io. Per me questo è un onore, poterlo trasformare in una cosa bella.”

Nel settembre del 2025, Koichi Hasegawa parteciperà per la seconda volta a un'esposizione collettiva presso la Promotrice delle Belle Arti di Torino. Per gli artisti rinomati, le esposizioni spesso portano a vendite, ma per coloro che non sono rappresentati da una galleria influente, i compratori tendono a essere difficili da accontentare. Koichi mi racconta che in passato non si è mai preoccupato molto di presentare le sue opere al pubblico, essendo ansioso di continuare a lavorare e pensare al pezzo successivo. Attraverso la sua partecipazione a esposizioni, ha gradualmente cominciato a rendersi conto che portare il suo lavoro nella sfera pubblica è altrettanto importante. “Ci sono artisti che creano e poi non si interessano delle sensazioni del pubblico. Per me invece, l’incontro con il pubblico è motivo di sforzo e miglioramento. Le vendite poi sono una cosa a parte, non è detto che capitino immediatamente, durante una mostra, ci vuole tempo... Se dopo una mostra qualche pezzo incontra un acquirente, sono contento, ma non è scontato, soprattutto nel mondo d’oggi.”

Ciò che rende il lavoro di Koichi Hasegawa così unico è il modo in cui crea un raro ponte tra la carpenteria giapponese e la scultura. Un paio di occhi attenti e addestrati possono apprezzare il suo operato per il valore che merita. Tuttavia, indipendentemente dal fatto che stiamo parlando delle sue sculture o dei suoi mobili artigianali su misura, è naturale presumere che non molte persone possano permettersi di adornare le proprie case con pezzi così unici in cui forma e funzione si confrontano tra loro. Pertanto, gli chiedo quale aspetto sia per lui di maggiore significato. “Certo, un tavolo a quattro gambe è più resistente, ma l’idea di farlo a tre è più divertente! Penso che nel montaggio del legno, quando si aggiungono molti pezzi pur di ottenere un’alta funzionalità, sia esagerato. Quando si riesce a ridurre la funzionalità alla sua essenzialità e semplicità per me si è più vicini alla bellezza.”

IL PRESENTE E IL FUTURO DI TUTTE LE COSE UMANE

Da decenni viviamo in ambienti domestici arredati tenendo presente l'affordabilità e la praticità, per supportare l'economia circolare: utilizzare, riciclare, produrre e, quindi, consumare nuovamente; anche prima che il termine economia circolare diventasse di uso comune. Tuttavia, come tutti sappiamo, c'è solo una quantità limitata di materiali che possono essere riciclati su un pianeta con risorse finite. Molti dei materiali che deponiamo con attenzione nei contenitori per il riciclo non vengono mai effettivamente riciclati. L'idea dell'economia circolare a zero rifiuti ha i suoi sostenitori, così come i suoi critici veementi. Uno dei documenti più illuminanti che ho letto in relazione a questo argomento è intitolato, "Contro la politica degli sprechi: Una critica all'economia circolare" (Against wasted politics: A critique of the circular economy, 2022) di Francesco Valenzuela e Steffen Böhm. La pratica artistica di Hasegawa è consapevole di molti dei problemi del nostro mondo contemporaneo, eppure è uno dei pochi in un settore forgiato da centinaia di migliaia di artisti e artigiani che lavorano con pratiche che sono meno che rispettose dell'ambiente, anche se il loro soggetto è la sostenibilità ambientale. Pensa che ci sia un futuro per la sua pratica, e qual è lo stato della sua professione in Giappone?

“Al giorno d’oggi i giovani sono bersagliati, e se si ha la possibilità ad accedere a tante forme d’arte diverse, con grande disponibilità di mezzi, si finisce per avere una grande confusione. Si rischia di girare, e girare tra una tecnica e l’altra, il tempo passa, e dentro di sè si rischia di avere sempre più confusione, e si finisce per non sapere dove andare. Per me essere stato a contatto con il legno sin da piccolo è stata una grande fortuna. Mi è sempre piaciuto toccare il legno, per cui seguire questa strada è stato naturale. Anche il ferro battuto credo sia molto interessante, ma in questa vita sono impegnato con il legno... Non sono un genio, che può usare tutto; pietra, ferro, acciaio, indistintamente. Io ho solo chiacchierato con il legno. Ai giovani non mi sento di dire di fare in un modo o nell’altro, devono decidere loro in base a cosa sentono. Purtroppo, la vita non è semplice e bisogna lottare per ottenere degli spazi, per cui, l’unica cosa che mi sento di consigliare è di lottare con sé stessi, non accontentarsi di copiare una tecnica, ma di tirare fuori le cose da dentro di sè. Per quanto riguarda il campo dell’arte in Giappone, non saprei dirti di preciso, ma posso dire che ho notato che per la società giapponese, l’artista deve essere laureato all’Università di Arte. Per la maggior parte degli artisti giapponesi, ormai questo è normale e scontato, non si rendono neanche più conto che possa anche non essere così, ma questo purtroppo è il meccanismo.”

HIROSHIMA MON AMOUR

Durante i miei incontri con Koichi Hasegawa, ero consapevole dell'imminente 80° anniversario dei bombardamenti atomici di Hiroshima e Nagasaki (6 e 9 agosto 1945). Mi sono sentita obbligata a chiedergli quale effetto avessero avuto sul popolo giapponese questi attacchi catastrofici. Pensavo che forse i suoi genitori avessero raccontato gli eventi attraverso i loro occhi. La nostra memoria collettiva del mondo in generale ha un grande impatto su chi diventiamo. Mi racconta che suo padre assistette al bombardamento di Nagasaki da una grande distanza. Sebbene i bombardamenti atomici non avessero colpito direttamente la sua famiglia, essi causarono fratture sociali tra le persone. Nei giorni successivi ai bombardamenti, ci furono molti feriti che avevano bisogno dell'assistenza finanziaria dello stato poiché non potevano lavorare, ma vi erano anche coloro che desideravano approfittarsi della situazione e fingevano di essere svantaggiati dall'incidente. Ci furono cause legali in corso per il risarcimento individuale che richiesero molti anni per essere risolte, e alcuni di coloro che erano realmente bisognosi non riuscirono a ricevere alcun risarcimento. Quando si apre il tema della guerra, ci immergiamo immediatamente in questioni correnti inspiegabili così come in storie remote. Egli afferma che il motivo per cui il Giappone non ha adottato una posizione esplicita contro le guerre in Ucraina e Palestina è che la memoria delle atrocità della guerra è ancora troppo viva nella società giapponese, e che credono di dover mantenersi completamente al di fuori per proteggere la propria stabilità a causa della loro diretta esperienza con i bombardamenti.